8.陌生化表演技巧
陌生化表演技巧，又叫“間情法”“間離效果”，最早由戲劇大師布萊希特提出，它的主要內容之一是，演員在戲劇表演過程中應經常意識到自己是在為觀眾演戲，不能化身為角色，而是要和角色保持一定距離，這樣，觀眾就不能同舞台上出現的人物和事件產生共鳴，不能陷入強烈的劇情反應之中，其結果是使觀眾保持清醒的頭腦，能夠冷靜地從劇中吸取思想，對戲劇藝術表現的現實內容本身進行嚴肅地思考。陌生化表演技巧被引入影視藝術中是在“第二次世界大戰”後，它曾對當時流行的政治電影、藝術電影和實驗電影等類型電影的演員表演產生過深刻的影響。盡管有評論家認為，“間離效果”的出現是戲劇藝術舞台上的一次真正革命，但仍然有相當一部分評論家認為布萊希特的“陌生化表演技巧”，違背了戲劇藝術的基本理論和基本規律，因而在實踐中不可行，並指出，布萊希特雖然提出了“陌生化”理論，但在實踐中他自己都沒怎麽試用過。
在影視藝術表演活動中，一名職業演員要演出的主人公角色是非常豐富的，高水平的職業演員，雖然自身的外形特征、聲音特征等很少發生變化，但是他們所演出的角色各個不同，一個比一個出色。然而，還有一些演員，雖然，他們一輩子演了很多戲，但是，如果脫去不同角色的不同裝束，人們就會驚奇地發現，他們所演的角色怎麽看都像是一個角色，當然，這個角色很可能就是他自己。影視藝術中，將一個演員在不同劇情中的相同表演稱之為程式化、類型化表演傾向，這種傾向的最大缺點就是容易導致觀眾的逆反心理，使觀眾產生審美鑒賞厭煩和疲倦心理。分析這兩種演員長期藝術表演中所得到的不同審美結果，就會發現，第一種演員之所以經常保持成功，是因為他（她）善於突破自己的思維、心理定勢，總能使自己的角色表演保持某種陌生的新鮮感，以激活觀眾的鑒賞情緒。相反，第二種演員，由於其表演缺少變化，多少年一個樣，缺少第一種演員所具有的那種陌生感魅力，結果，導致看他（她）演出的人越來越少。從此不難看出，影視藝術表演中的“陌生化表演技巧”，不僅對演員絕對需要，而且絕對必要。
尤特凱維奇指出：“對於演員來說，他整個地生活在其中的那個有機體應該是他的家，而不是他的旅館。演員的生命力和演員創作的實質在於創作過程本身，而不僅僅在於演出或影片，在於長期地和不斷地形成和變化，而且這種形成和變化也決不是僅僅產生在舞台上，或是在演出、排演和拍攝的過程中。”[34]從尤特凱維奇所談的內容來看，他是在說：一個演員的“創作生命力”和“創作實質”在生活中的不斷創新，在生活中不斷汲取一些新鮮營養，在於他（她）對生活充滿深情和愛意。隻有那些對生活充滿期望的演員，才能勇敢麵對生活的變化，才能發現“陌生化表演技巧”的奧妙。
可是，一個優秀的演員怎樣才能發現“陌生化表演技巧”的奧妙呢？E·薩巴什尼柯娃認為，關鍵在於演員必須注意在生活變化中，培養自己對事物的敏銳反應力、感受力和判斷力。她指出：“演員的藝術對生活中所發生的變化應非常敏銳，外型改變，語言、聲調也就改變，麵部表情、造型就會變成另一個樣子”。[35]她借用A·阿納斯塔西耶夫的話，批評了影視藝術舞台上，那些雷打不動、不深入生活、不認真觀察生活和體驗生活的演員，這些演員企圖僅僅通過外部的變形，“刺目的化妝，臉上貼東西”來改頭換麵，以取得“陌生化表演技巧”。豈不知，他們這樣做隻會適得其反，卓別林所扮演的流浪漢形象永遠是頭戴禮帽，手持拐杖，臉上留著小胡子，可是他不論什麽時候出現，都會受到觀眾的歡迎。從此不難看出，“陌生化表演”不僅僅應停留在“麵目陌生化”上，諸如啟用陌生演員等，而更為重要的是演員在每一部影視藝術作品演出時，都應當保持一個“陌生化心態”，敢於與過去的生活和過去所扮演的角色告別，要勇於超越過去，尤其是要善於將自己在生活中不斷發現、總結、體驗到的新鮮社會角色心理，對象進自己的表演之中，隻有如此，他們才能全麵體驗到“陌生化表演”的藝術快樂。
“陌生化表演”帶給演員的收獲是多方麵的，它不僅使演員在不同角色中，體驗到了影視藝術形象的“陌生化個性”，使他們體察到了“陌生化表演技巧”的美學個性，而且，還使他們體會到了一個真正的藝術家才能體會到的“陌生化創作個性”。人們生活在一個影視藝術高度發達的社會裏，幾乎所有的觀眾都熱忱地期望演員能不斷帶給他“陌生化表演”，而廣大演員們也因為大眾傳播媒介的豐富和發展，越來越頻繁地在舞台上亮相。這樣，社會一方麵為演員提出必須掌握“陌生化表演技巧”的審美壓力要求；另一方麵，演員自己也麵臨著前所未有的表現自己“陌生化表演技巧”的絕好機會。演員們越來越覺得做一個好演員太難了，做一個混日子的演員太容易了，於是，在一種“好演員”與“好當演員”的尷尬境地中，“陌生化表演技巧”越發顯示出其珍貴價值，越發成為區分演員水平高低的分水嶺了。
影視藝術的陌生化表演技巧是演員智慧的集中表現。影視藝術表演技巧在考驗著演員智慧的時候，觀眾也承受著鑒賞影視藝術表演技巧的智慧挑戰。在這種情況下，對影視藝術表演技巧的掌握與鑒賞，就成了“演員”和“觀眾”這兩大人類文化藝術社會群體都必修的課程。他們會隨著自己藝術經驗地增長，逐漸體悟到，對於影視藝術來說，永遠不會有過時的表演技巧，隻要人們需要，傳統的表演技巧不會隨著曆史的前進而終結其生命，而新的影視藝術表演技巧也會在傳統技巧上不斷發展。
二、影視藝術的拍攝技巧鑒賞
影視藝術創作離不開攝影，攝影師是影視藝術作品的“第一個觀眾”“也是未來觀眾的總代表”。[36]因此，他們在影視藝術創作過程中，地位非常特殊，歐納斯特·林格倫認為：“在製片工作的助理技師中間，攝影師是最重要的一個。編劇、美工師、服裝師、演員和導演等的創造工作都是為了達成一個目的，得到一個能放映在銀幕上的透明的攝影形象。要沒有攝影師，他們的勞動成果無從體現”。[37]攝影師的唯一任務就是借助自己高超的影視藝術拍攝技巧，將上述那些人的辛勞成果成功地、再創造性地記錄下來。
影視藝術拍攝技巧是攝影師創造性地運用攝影機，進行影視藝術造型，表達特定影視藝術構思和風格的一種技能和方法。它的本質是攝影師在充分認識、熟悉、掌握了攝影器材特性的同時，能夠利用自己較強的鏡頭構圖感、鏡頭色彩感、鏡頭節奏感、鏡頭敘事感等挖掘鏡頭表現手段的藝術技巧潛力，以最大限度地塑造出優秀的影視藝術形象。
影視藝術拍攝技巧非常重要，無論是對攝影師本人，還是對其他影視藝術創作者，他的水平高低都非同小可。因為，高水平的影視藝術拍攝技巧總能使其他影視藝術創作者的勞動錦上添花，即使是觀眾，一般在影視藝術鑒賞活動過程中，也能關照、領悟到攝影師的某些拍攝意圖，並從一些細微的拍攝技巧中，領略到影視藝術創作的無窮奧妙和魅力。
根據影視藝術拍攝工作的基本流程，影視藝術技巧應包括以下幾個方麵。
1.製定拍攝方案的技巧
對於攝影師來說，參與影視藝術創作，無疑是從研讀影視藝術劇本開始的。影視藝術劇本為攝影師提供了可供拍攝的主題思想、情節結構和風格樣式等。但是，由於劇本提供的這些內容比較抽象，而且藝術要素比較瑣碎、不明晰，因而攝影師要將其中的文學形象，轉換和“翻譯”成可供觀眾鑒賞的銀屏形象，是非常困難的，而且有許多具體工作要做。
一般來說，攝影師要做的首要工作，就是在吃透劇本後，寫出能夠全麵反映未來拍攝設想和方案的攝影闡述。在這個闡述中，攝影師既要表明本次拍攝過程的大致方針、目標總旨，又要反映出他對劇本的攝影理解和認識，同時，還要說明他對本劇攝影造型風格的全麵把握和拍攝方法。尤其重要的是，在這個闡述中，他將描述出未來影視藝術作品的畫麵基調、構圖方法、色彩構成和畫麵節奏等。一言以蔽之，就是在這個攝影闡述中，攝影師將全麵勾勒出本部影視藝術作品攝影風格上的美學特征，描繪出他的審美追求。攝影闡述的寫作方式有許多種，對於攝影師來說，既可以用文學表達出他的有關拍攝打算，也可在文學表述的同時，輔之以拍攝草圖進行說明，也可以用草圖直接說明，輔之以簡約的說明性文字。但是，不管怎麽說，攝影師拍攝前一定要形成一套完整的拍攝方案，不管采用何種方式進行闡述。
準備好了攝影闡述，攝影師就要將其給導演等人看，經過反複討論、修改後，在導演同意的前提下，攝影師就可以將這個綱領性文件付諸實施。實施的第一步是著手製定一部遠比攝影闡述內容更全麵、具體、深入的拍攝提綱。在這個拍攝提綱中，攝影師將著重考慮兩個問題：一是根據劇情，詳盡列出進入現場的鏡頭拍攝要點，力爭做到逐一列出，毫無疏露，以便導演在確定拍攝場地時，做到胸中有數；二是對於一些事先無法確定的鏡頭計劃，如一些群眾場麵、集市場麵等，攝影師必須與導演協商，製定出一套切實可行的現場實施方案，最好是製定幾套方案，以便到了具體拍攝現場，根據情況靈活處理，擇其善者而從之。拍攝提綱是一種比攝影闡述詳細的拍攝方案，但是，由於它仍然比較簡略，無法指導攝影師在拍攝過程中具體操作，因而，在此基礎上，攝影師仍需深化，編寫一個完全可供實踐使用的更加詳盡的分鏡頭拍攝方案。這個比影視藝術分鏡頭劇本還要詳細，攝影師用起來更加實用和方便的方案，一般被叫做影視藝術創作的攝影台本。
攝影台本是攝影師在與導演、美工、布景、燈光、音響等有關影視藝術創作人員討論、商量、協調後編寫的一種非常具有可操作性的方案。在這個方案中，人們能明晰地看到影視藝術的拍攝場地、場景畫麵以及拍攝的時間、地點、基位、角度、景別、速度、光度、長度等內容，也能看到分場設計、服裝道具、美工燈光、布景照明、動效聲效等場麵調度組織的有關情況，也能看到攝影師對畫麵色調、光學鏡頭及其附件的配備和應用、具體的拍攝方法、拍攝組織以及技術保障措施等方麵的規定和要求，還能看到演員在每一場戲中的表情動作、行動路線、人物關係等表演安排的細節情況。總之，為了避免拍攝過程中不必要的混亂和盲目，減少誤工誤時的機率，攝影師應將一切應提前考慮到的問題都考慮到。甚至為了避免出現意外，攝影師和有關人員應多次深入拍攝現場，進行實地勘察，最大限度地做到萬無一失，為拍攝活動的順利展開，打下良好的基礎。
2.運用畫麵造型的技巧
有了完整的拍攝方案，攝影師就拿到了進入實地拍攝階段的通行證。對於攝影師來說，實地拍攝階段是考驗其畫麵造型技巧的關鍵時期。在此階段，能否利用一切畫麵元素，完美塑造人物形象，恰當交代環境語言，就成了衡量其畫麵造型水平高低的重要依據。也許有人會說，那攝影台本，所有的東西不是都交代清楚了嗎？攝影師照此拍攝不就行了嗎？然而，攝影台本是一回事，拍攝現場是另一回事。雖然在影視藝術拍攝過程中，攝影台本已將如何運用畫麵進行造型，造型的結果應是什麽樣都做了詳盡交代，但是，由於環境的因素和一些不可預測的其他條件的變化，在許多情況下，攝影師仍然有必要根據自己多年拍攝的藝術經驗和敏銳的藝術直覺，對攝影台本中那些不盡人意的畫麵造型手段予以適時調整或現場改變，以找到一種更能令人滿意的、更能表現出造型對象美感特質的畫麵造型途徑。
在眾多的影視藝術畫麵造型方法中，運用畫麵構圖，突出和凸現影視藝術人物形象，是一種最傳統的手法。巧妙利用現場環境中點、線、麵和人物的位置關係，以增強銀幕和熒屏這兩個二維空間中的時間意義和空間思想，是攝影師們所追求的共同攝影目標。然而，怎樣才能達到這個目標呢？許多人認為，在每一幅畫麵中，構圖的方式最為重要，其實這種說法大謬不然。對於一個優秀的攝影師來講，根據現場情況，決定采用橫線構圖、斜線構圖、對角線構圖、梯型構圖、多點構圖等多種構圖形式的哪一種，是一件非常簡單的事情。攝影師根據多年形成的畫麵造型直覺一眼就可以分辨出來，不過，對他們來說，要在運動中保持這種構圖的完美性並不是那麽容易的。
眾所周知，影視藝術是一種時空藝術，時空藝術的一個重要特征在於鏡頭的運動，在運動中塑造人物形象，在運動中，不因人物形象的存在而破壞畫麵的構圖美感，或不因環境背景的變化而破壞人物形象在畫麵中的構圖美，這一切，都是攝影師在拍攝時必須考慮的問題，也是攝影師比照相師和畫家在構圖方麵更困難的一個原因。照相師和畫家的構圖造型是靜止的，可以一次把握到位，而攝影師的畫麵造型卻不同，由於其構圖造型是在運動過程中完成的，因而沒有很高的藝術悟性、深厚的藝術積澱和熟練的鏡頭運用技巧，要實現完滿的畫麵構圖造型是非常不容易的，這就是為什麽影視藝術中，有的運動鏡頭起幅畫麵構圖很好，有的運動拍攝過程中畫麵的構圖很好，有的落幅畫麵構圖很好，鮮有從起幅到運動中，再到落幅畫麵構圖造型都很完美的原因。由此可見，影視藝術畫麵構圖造型的最大技巧在於怎樣把握攝影機，使攝影機鏡頭永遠處於畫麵構圖的最佳視點上，而且在運動鏡頭中，這種最佳構圖視點的變化非常富有韻律感。
影視藝術畫麵造型的第二個要素，是攝影師必須善於用光造型。“光”是“攝影師手中的雕刻刀”“攝影師是靠光這把雕刻刀在膠片上雕塑人物形象和他們所處的環境的”，光是“為了刻畫人物性格服務”的，“不同場景的情緒、氣氛，要求不同的光”“要想表現好一場戲的藝術氣氛，我們講，景是骨架，是實體，光是靈魂。光處理好了，景就有了生命，有了魅力”。[38]相反，如果光處理砸了，再好的畫麵構圖也沒用，甚至二者的對比，會使畫麵的造型美感更差。按光源分，光可分為自然光和人工光。自然光雖然散漫，但比較真實、生動；人工光雖然有點假，但卻顯得美妙和浪漫。光按光線性質分，可分為軟光和硬光，軟光雖然微弱，但卻顯得溫柔和恬淡；而硬光雖然過於強烈，但卻顯得有些熱忱和真摯。光還可按光位分，順光雖然有平塗的效果，但卻能突出表現對象的質感；側順光雖然單調，但卻能使表現對象產生明暗對比變化；側逆光雖然經常使人物形象麵部發黑，但因為其能很好地表現人物形象的輪廓，因而經常能產生微妙的神韻；雖然逆光運用過多，會產生造型失態的後果，但是恰當地使用逆光，有時會使畫麵造型獲得以前從未有過的豐富層次；頂光雖然會使藝術對象發生變形，但對於表現人物形象心靈的扭曲、性格的異化和生命的某種不平常狀態，卻非常管用；腳光是一種最奇特的光，盡管人們經常會對其來源的真實性產生懷疑，但它對於暗示表現對象的某種情緒和心境，仍有獨特的價值。
光也可按造型作用分，主光是一種引人注意的刺目的光，雖然它的運用會影響畫麵原有的風格和基調，但是它對於特殊的劇情需要，諸如確定被表現對象的形狀和概貌，卻非常有幫助；副光雖然不是光線的主角，但卻對於維係畫麵的光度平衡起著決定的作用；過渡光是一種意義不大的光線，但是由於它的運用，卻強化了物的黑白灰效果，使人對表現對象的立體感產生親和作用；輪廓光是一種容易被忽略的光，但是它的運用，卻常使人陷入一種如癡如醉的夢幻心理狀態；背景光是發自另一個美感世界的神秘召喚，雖然，在畫麵造型中，它從來不是真正的主角，但是，如果觀眾在關懷表現對象的同時，捎帶關注一下它，則會產生一種別有洞天的意外狂喜情緒；環境光是一種再平常不過的光了，由於人們熟悉它而經常漠視它的存在，但是，當觀眾與劇中人情景交融時，誰也無法否認，是環境光使他（她）不由自主地步入劇中人的生活世界。在所有光中，效果光和眼神光是最為奇特的光了，效果光使人身臨其境，審美情緒受到強烈的衝擊和震撼；而眼神光，卻在無意之中，為人們打開了一扇探尋主人公內心世界的心靈窗戶……光是一種實實在在的、摸不著卻看得見的造型雕刻刀，正是借助它，攝影師為人們創造了一個妙趣橫生的畫麵影像世界。
在畫麵造型技巧中，人們也不能忽略色彩的作用。作為控製畫麵造型的“情緒元素”，色彩經常使觀眾收到一種無以名狀的心理感召。它是劇中人物命運沉浮的巨大心理暗示，是觀眾心理變化的晴雨表。色彩的造型作用，部分原因是來源於生活的真實，當生活為人們提供了一個色彩斑斕的美好世界時，借助攝影機去表現這個美好世界的豐富物體造型，就成為自然而然的事了。黑白片時代，對於色彩的造型作用，主要是靠高光、側光和背光所形成的黑白灰明暗對比效果實現的，在那樣的畫麵中，造型的方式與其說是電影的，毋寧說是素描的。人們通過對物體形狀微妙的光線變化刻畫，實現了對影視藝術形象造型色彩語義的表達。但是，在彩色片時代，色彩的造型作用就有所不同了，由於畫麵將事物的原本色澤變化呈現在觀眾麵前，因而，觀眾很容易陷入與主人公相似的色彩感受情緒變化反應審美狀態中。
由此，各種色彩都有了其獨特的鏡頭語義。在綠色的畫麵中，生命力的張揚使主人公和觀眾心旌搖曳；藍色的畫麵，象征了生命的複雜和深沉；紫色的畫麵，表現了主人公心理狀態的浮躁、執著和憂鬱；而橙色，也因為其奇妙的色澤變化，使人感受到了生命的單調和不可抗拒；至於紅色，它是人類野性的標誌，而對它，人們經常能升騰起英雄主義般的崇高和偉大，在心靈中釀造出對未來生活的美好遐想。然而，黑色就有所不同了，彩色片中，黑色是死亡的暗示，是一種不祥的顏色；而白色應為淡出淡入，通常意味著生命的瞬間中斷和人生價值的某些缺失……於是，影視藝術畫麵中，人們感覺到的不僅僅是畫麵情節的敘事本身，而且還有各種色彩造型符號組成的交響詩，它不斷深化著人們對劇情的反應，不斷深化著人們對主人公的理解，它從此成為影視藝術畫麵造型的重要組成部分，促使人們對影視藝術對象的認識更加深刻具體。
3.善於活動拍攝的技巧
影視藝術中，畫麵是活動的，造型是活動的，活動促成了影視藝術情節的展開，活動也促成了觀眾對影視藝術鑒賞的深入，但是，觀眾也應當明白，影視藝術活動的內容遠不止這些，其中最不應忘記的是，這一切活動都離不開攝影師的活動，如果沒有攝影師的活動拍攝，這一切活動根本無法實現，正如魯道夫·愛因漢姆所說：“活動的功能不僅在於把故事中的各項事件告訴觀眾。活動本身也是很有表現力的”，[39]正是在攝影師很有表現力的活動拍攝中，觀眾看到了被表現對象的運動，看到了由攝影機和物體之間的距離所造成的縱深變化效果，看到了影視藝術人物形象行為所表達的活動思想。影視藝術創作的過程。實際上就是要著力突出攝影師活動拍攝技巧表現力的過程。如果影視藝術世界中的一切表現對象都能通過攝影師的活動拍攝表現出來，那麽，對於觀眾來說，至少有兩種好處：一方麵，被表現的對象將“直接訴諸於觀眾的眼睛”；另一方麵，活動中的對象“將在外形上顯得”更加“優美動人”。
在影視藝術創作過程中，出眾超凡的攝影師都是因為其有獨特的活動拍攝表現力，才創造了影視藝術畫麵造型活動的輝煌。一般來說，獨特的活動拍攝表現力體現在這幾方麵：一是攝影師活動拍攝的目的明確，知道誰是表現的主要對象，誰是次要對象，誰僅僅隻是背景；二是攝影師活動拍攝的方式明確，知道該采用推、拉、搖、移、跟、甩、晃動、旋轉、偷、搶等哪一種鏡頭拍攝方法；三是攝影師活動拍攝的節奏明確，知道如何把握鏡頭拍攝的起幅、落幅以及鏡頭在活動拍攝過程中的敘事節奏或韻律；四是攝影師活動拍攝過程中的分工明確，在大多數情況下，攝影師由主攝影、副攝影、攝影助理以及其他技術工程人員組成，尤其是在運用軌道車、升降機、直升飛機、火車、汽車等運載工具進行運動拍攝時，就存在一個各方麵人員互相配合、互相協調的問題，隻有每個人對自己的任務和操作規程熟記於心，才能隨著導演一聲令下，默契行動，完成活動拍攝的任務。上述四點是攝影師活動拍攝獨特表現力表現的基本保證。
活動拍攝富於表現力的技巧既是一個技術技巧問題，也是一個藝術技巧問題，為什麽這樣講，乃是因為在具體拍攝過程中，攝影師一方麵要熟悉各種攝影器材的性能和操作方法，學會借物、穩姿、屏氣等活動拍攝的基本技巧；另一方麵他們還要有相當豐富的文學、美術、攝影和美學方麵的知識，懂得如何駕馭攝影機，使畫麵的構圖、光度、色彩等都處於最佳狀態。由此可見，活動拍攝技巧的確是一個複雜的學問。
然而，影視藝術活動拍攝技巧遠不止以上所述的那些內容。現實生活中，特別是一些紀實片的拍攝過程中，活動拍攝技巧並非僅僅是一個純粹的拍攝技術問題或者拍攝藝術問題，而且還是一個拍攝戰術問題。例如，在以突出表現對象為目的的跟拍活動中，無論現場氣氛多麽緊張，攝影師始終都要掌握表現的中心，保證鏡頭既不搖晃，也不失去任何一次表現對象的機會。而要做到這點，他就必須善於審時度勢，預測事物的發展趨勢，充分調整自己的心理判斷直覺，而這個心理判斷直覺，是他在長期的社會實踐活動中，逐漸形成的。再如在一些沒有事先安排的隨機活動拍攝過程中，攝影師必須具備善於抓拍突出事件的本領，而對複雜多變的社會環境，他應明確意識到，拍攝到隨時會出現的意想不到的戲劇性鏡頭，隻有他在腦海中長期保持這種抓拍意識，才會未雨綢繆，拍到影視藝術作品中的活動閃光點。
活動拍攝技巧是一種在長期的影視藝術實踐活動中逐漸積累形成的專業性技巧。表麵上看，這種技巧在功內，在於攝影師熟練、靈活掌握和運用攝影機的程度。但其實，這種技巧也在功外，看攝影師的社會人文學科知識修養積澱得是否深厚，隻有在兩種功兼而有之並發生相互作用時，攝影師才能變成一名影視藝術活動拍攝的高手。
4.使用光學鏡頭的技巧
影視藝術鑒賞過程中，普通觀眾常常會為畫麵中不斷出現的遠、中、近、特、全景別畫麵所吸引，並會被變幻莫測的奇特影視藝術煽情效果所感動。殊不知，他們所看到的這一切並不是自然形成的，而是攝影師使用不同光學鏡頭進行表現的結果。影視藝術拍攝活動中，攝影師最常用的光學鏡頭是標準鏡頭，在這種焦距接近或等於畫幅對角線的光學鏡頭中，攝影師和表現對象經常處在目光和言語交流最恰當的距離內，攝影師隻要將表現對象完美地框進鏡頭內，即可取得令人滿意的畫麵效果。在影視藝術作品中遠景、中景或其他一些固定鏡頭畫麵就是采用這種光學鏡頭拍攝的。
然而，在影視藝術鑒賞活動中，人們經常還會發現一些變焦鏡頭畫麵，一會兒畫麵由大變小，一會兒畫麵由小變大，一會兒前景實後景虛，轉眼間又變成了後景實前景虛。那麽這種畫麵效果又是如何拍攝的呢？其實，這種鏡頭是攝影師采用變焦鏡頭拍攝的。所謂變焦鏡頭，就是一種焦距可以改變的光學鏡頭，采用這種鏡頭進行拍攝時，攝影機經常固定在一個基位上，攝影師通過手動操作焦距，沿時間軸向，漸次改變焦距和景別，從而創造出令人激動的奇特審美效果。變焦鏡頭對於營造影視藝術的故事氣氛是非常重要的。一般來說，當畫麵由大變小時，它表現主人公的視覺有從全景指向局部的變化過程，表達了主人公從某種倏然得到的細致入微的發現中，所產生的驚奇、驚喜或驚覺心理；而當畫麵由小變大時，則表明主人公的視線由局部走向全局，或者其注意的視線開始轉移，它反映了主人公心情由壓抑、束縛走向明朗和開放的心路曆程。可是，前景實後景虛和後景實前景虛的變焦鏡頭與上述兩種情況不同，它不像前兩者單向度地表現主人公的心境，而是通過兩個或兩個以上主人公位置、表情關係的變化，反映他們之間緊張、衝突或和諧的不尋常氣氛，從而對影視藝術情節的未來走向作出必要的心理暗示。但是，在影視藝術鑒賞過程中，人們還能看到比以上三種情況更複雜的畫麵，由於鏡頭的不斷快速變焦，結果畫麵中形成了一種時大時小、時遠時近、時實時虛的神秘效果。一般來說，觀眾和創作者均認為，這種變焦鏡頭的使用，對於表現主人公劇烈、複雜、過於激動和煩燥不安的心情很有幫助。可見，變焦鏡頭的運用，對於準確、細膩、豐富地表現影視藝術主題非常管用，但是，由此帶來的副麵效能就是它的濫用卻會導致花裏胡哨、賣弄技巧的審美嫌疑。因此，攝影師在用此手法造型時，應慎用、少用，正由於此，我國影視藝術學者吉岩認為，變焦鏡頭的使用，應“從人的欣賞心理需求出發”“從滿足視覺感受出發”“從保持時空統一性出發”“運用變焦鏡距不可不變，又不可亂變，關鍵在於度意審情。求其動律的準確，求其格致的適當，從把握焦距變化的出發點入手，達到精當的運用”。[40]
在影視藝術拍攝過程中，攝影師通常也離不開廣角鏡頭和長焦距鏡頭。廣角鏡頭是一種焦距短於畫幅對角線的光學鏡頭，這種鏡頭的特點是焦距廣度大，可以表現更加恢宏和壯觀的畫麵場景，但是由於視距的原因，它極易造成表現對象的變形，具有“誇張的動態表現”特征，因而，經常被運用於喜劇片、幽默片或滑稽片當中，正如吉岩所說，它可以“根據特定的創作意圖，利用超廣角藝術誇張和渲染的作用，能夠創造出別具一格的畫麵，收到過目不忘的效果”。不過，一般的影視藝術創作活動中，攝影師並不經常使用廣角鏡頭，由於它經常破壞和影響畫麵的真實、準確和紀錄的藝術特性，因而，不到萬不得已，攝影師不會想到用它。長焦距鏡頭是一種焦距長於畫幅對角線的光學鏡頭，它的特點是景深大，具有清晰可靠的影像表現空間範圍。攝影師使用它，可以很容易地將很遠地方的表現對象調到跟前予以表現。當然，這種“調”並非真地將表現對象叫到攝影機跟前，而是說加上它，攝像機具備了將遠景之物拍得像近景之物那樣清晰的奇特功能。長焦距鏡頭的使用，既滿足了廣大觀眾想看到更加完整的影視藝術畫麵的願望，又滿足了他們看清更加寬廣影視藝術畫麵的審美心理需求，因而對於使用它，攝影師情有獨鍾。
影視藝術拍攝過程中，為了獲得一些獨特的畫麵效果，攝影師還經常采用給光學鏡頭加上一些鏡頭附件的辦法進行拍攝，如給鏡頭上加濾色片，可以組成調節影調用的各種濾光鏡，在白天拍出晚上的效果，在晴天拍出陰天的效果；也可組成產生霧狀效果的霧化鏡，將清晰的物體拍攝得模模糊糊，取得一種撲朔迷離的藝術效果；也可以組成將影調變得柔和的柔光鏡，使表現對象看起來不那麽刺目和耀眼；也可以組成依光波振動方向進行調節的偏振器，如將局部影像柔化的局部柔光鏡，使局部彩色發生變化的局部彩色鏡，能夠拍攝出部分特寫和部分全景的遠近鏡，能夠在沒彩虹的日子拍出彩虹的彩虹鏡，能夠拍出多重影像的疊影鏡和多影鏡以及能夠拍攝重光效果的重光鏡等。可以說，正是由於攝影師在拍攝過程中，隨機選擇各種適合表現對象的光學鏡頭及其附件，才給觀眾創造出了色彩斑斕、千姿百態的影視藝術世界。
影視藝術拍攝技巧所包含的內容很多，除了上四點外，還有攝影師拍攝操作的方法技巧，如是采用立式拍攝、蹲式拍攝、坐式拍攝、臥式拍攝，還是采用固定攝影、扛式攝影、手持攝影、手提攝影、抱式攝影、依托攝影，或者是采用航空拍攝、水下拍攝等。總而言之，影視藝術拍攝技巧非常豐富。